Interview mit Paul Riedl von Blood Incantation (Teil 1/2)

Lass uns gleich zur Sache kommen. In all deinen Arbeiten geht es hauptsächlich um außerirdische Themen. Was fasziniert dich an diesem Thema so sehr, dass du ihm deine gesamte Arbeit widmest?
Korrektur: Es handelt sich nicht um ein außerirdisches Thema. Es ist ein kosmisches, extradimensionales, nicht-humanoides, psychedelisches, jenseitiges und so weiter Thema, das nicht nur meine gesamte Arbeit für BLOOD INCANTATION als unser übergreifendes Konzept durchdringt, sondern sich durch jede einzelne Band zieht, in der ich 22 Jahre lang gespielt habe. Buchstäblich jede einzelne Band.

Warum sollte ich mein Leben dem großen Mysterium widmen, das die menschlichen Zivilisationen auf diesem Planeten seit zehntausend Jahren zu der Sache zwingt, die wir alle zu ergründen versuchen? Ich würde eher dich oder deine Fans oder Leser fragen, warum sind sie nicht an dem großen Unbekannten interessiert? Warum sind sie nicht durch den motivierendsten Faktor, der buchstäblich die Entwicklung der Zivilisation über Jahrtausende hinweg auf dem ganzen Planeten antreibt? Wie kann jemand seinem Alltag nachgehen, ohne seinen Platz im Universum als etwas Wichtiges oder Bedeutungsvolles zu betrachten, im gleichen Sinne wie ein Blatt am Baum oder ein Stein auf dem Grund eines Baches? Oder wie ein Pandabär oder eine Pyramide oder all diese Dinge. Wie kann man sich von der Vielfalt und dem Mosaik der menschlichen Erfahrung in den Universen trennen? Nicht nur von diesem, sondern von allen Zeitlinien, von allen Welten.

Es liegt also auf der Hand, warum ich motiviert bin, dies zu tun: weil es auf dem Planeten Erde nichts anderes zu tun gibt, als diese Dinge zu bemerken. Alles andere ist Leichtsinn, Oberflächlichkeit, Materialismus, trivial und belanglos. Sei es die heilige Schrift, die Regierung, die Zivilisation selbst. Alles weist uns auf das große Unbekannte hin. BLOOD INCANTATION ist lediglich ein Omen dessen.

Wie sah der kreative Prozess für „Absolute Elsewhere“ aus? Wo habt ihr angefangen, wer hat was gemacht? Und wie ist das alles zustande gekommen?
Es hat viele Jahre gedauert, bis es fertig war. Einige der Riffs auf dieser Platte stammen sogar aus der Zeit vor „Starspawn“. Das letzte Riff auf „The Message“ habe ich 2014 geschrieben, weil dieses Riff nur das letzte Riff auf einem Album sein konnte, aber „Starspawn“ löst sich ganz natürlich auf. Man könnte keinen weiteren Song hinzufügen, nur um dieses Riff an das Ende zu setzen. Es wäre zu aufgebläht.

Wir haben es auf „Hidden History Of The Human Race“ noch einmal versucht, aber das Outro von „Awakening From The Dream Of Existence“ löst sich ganz natürlich mit dem akustischen Outro auf. Es wäre dumm, es an das Ende von „Awakening“ zu setzen, nachdem es durch dieses sich windende Down gegangen ist, abkühlt und immer langsamer geworden ist, bis hin zum Funeral-Doom-Teil. Das Anfangsriff von „The Message“ wurde eigentlich als ein Song geprobt, der auch auf „Hidden History“ sein sollte. Die ersten zwei oder drei Minuten, die ganze Zeit mit dem abgehackten Gesang und den cleanen Gitarren. Das ist noch so ein richtig altes Stück und wir haben mehr oder weniger gesagt: „Da wollen wir hin, aber wir sind noch nicht so weit. Also stellen wir das hier hin und kommen darauf zurück, wenn die Zeit reif ist.“

Isaac hat 2020/2021 mit dem Schreiben von „The Stargate“ angefangen, und eigentlich fing er zuerst mit dem dritten Teil an. Das war das erste Riff und dann begann er rückwärts zu arbeiten und schrieb Teil eins, von dem wir wussten, dass er das Zwischenspiel des Ambient-Teils enthalten würde. Aber wir haben ein paar Iterationen durchlaufen, was es werden sollte. Zur gleichen Zeit, als er zu Hause daran arbeitete, haben wir 2021 an „Timewave Zero“ gearbeitet.

Theoretisch habt ihr also an beiden BLOOD-INCANTATION-Alben gleichzeitig gearbeitet? Wie hat sich „Timewave Zero“ auf „Absolute Elsewhere“ ausgewirkt?
„Timewave“ war tatsächlich entscheidend für die Entwicklung von „Absolute Elsewhere“, insbesondere, weil wir 2020, als wir nicht auf Tournee gehen konnten, über ein Jahr lang zusammen improvisiert haben. Wir haben überhaupt keinen Metal gespielt. Wir haben das Schlagzeug abgebaut, wir haben die Gitarrenverstärker abgebaut. Ursprünglich haben wir unsere Synthesizer durch unsere Gitarrenverstärker gespielt, was ein ziemlich seltsamer Sound ist. Sehr schrill und rückkoppelnd und keine nennenswerten Bässe. Und wir haben all diese Proben nur mit einem iPhone-Voice-Memo in der Mitte des Raumes aufgenommen. Vielleicht mit einem T-Shirt darüber oder einer Lederjacke.

Irgendwann während der Covid-Phase kauften wir einzelne Mischpulte für unsere Synthesizer-Stationen. Wir kauften einen Computer, wir kauften ein Aufnahme-Interface, wir kauften Logic, wir kauften all diese Mikrofone und all dieses Zeug, um ein echtes Proberaumstudio einzurichten, damit wir unser Zeug tatsächlich aufnehmen und vorproduzieren konnten.

Und bei all dem haben wir uns an unseren traditionellen Probenplan von vier bis sechs Tagen pro Woche, 48 Stunden pro Tag gehalten. Wir haben nur improvisiert. Wir spielten keine alten Songs, wir spielten überhaupt keinen Metal. Wir spielten einfach frei, jammten und haben mindestens 50 Stunden, vielleicht 100 Stunden Material aufgenommen. Vieles davon ist völlig unbrauchbar, aber es war trotzdem nützlich, einiges davon wird jetzt auf dem „All Gates Open: Original Motion Picture Soundtrack“ veröffentlicht, der die Hintergrundmusik für den Dokumentarfilm über unsere Zeit bei Hansa ist.

Es war alles sehr ruhig. Wir haben viel über uns als Freunde, als Musiker und als Band gelernt. Wir mussten neu lernen, wie man in einem neuen Kontext kommuniziert, in dem es kein wütendes Schlagzeug oder aggressiven Gesang und laute Verzerrung gibt, hinter denen man sich verstecken kann. Das macht einen extrem verletzlich. Und wir mussten genau auf jeden Einzelnen hören – einige Leute wurden weniger laut, andere wurden selbstbewusster in ihrem Raum. So trafen sich alle in einem Bereich von 25-25-25-25 % Zusammenarbeit. Und während dieser Zeit, über ein Jahr lang, wurde nicht geschrieben, nur zum Spaß gespielt, nur erkundet.

Nach etwa einem Jahr begannen wir, „Io“ und „Ea“ von „Timewave Zero“ aktiv zu komponieren, die nicht improvisiert sind, da gibt es keine Freiform. Die sind komplett aufgeschrieben und auf den Whiteboards so akribisch arrangiert, wie wir es mit unserem Metal machen. Und während wir all das taten, veränderte sich unser mentaler Headspace. Er wuchs und entwickelte sich weiter, um diese kollaborative Energie einzubeziehen.

In der Vergangenheit, bei den ersten beiden Platten, waren es hauptsächlich Isaac und ich, die alles geschrieben haben, und vielleicht haben wir als Gruppe mal etwas arrangiert. Generell haben wir immer einen ganzen Song zum Üben mitgebracht und gesagt: „Okay, Morris, so spielst du diesen Teil, lass uns weitermachen“, und Isaac sagte: „Okay, Paul, so spielst du diesen Teil, lass uns weitermachen“, und so taten wir es einfach. Wir haben diese Methode seit fast zehn Jahren angewandt, aber „Timewave“ hat sie fast aufgelöst und dafür gesorgt, dass zum ersten Mal auf einer BLOOD INCANTATION-Platte jeder Sound, den man hört, von der Person gespielt wird, die ihn geschrieben hat. Bei all unseren anderen Platten habe entweder ich sie geschrieben und gesagt, wie sie gespielt werden, oder Isaac hat sie geschrieben und gesagt, wie sie gespielt werden. Manchmal sogar die Schlagzeugparts.

Zu „Timewave“ hat jeder Mensch völlig gleichberechtigt beigetragen. Es gab keine vorgefertigten Sounds, es gab nichts, was sich jemand zu Hause ausgedacht und zum Üben mitgebracht hätte. Alles wurde kollektiv im Raum entwickelt. Das ist eine sehr interessante und fast schon belebende Art, mit den Jungs Musik zu machen. In diesem Sinne veränderte sich die Musik, die wir im Hintergrund schrieben und die zu „The Message“ und „The Stargate“ wurde. Sie wird anpassungsfähiger und flexibler und dehnt sich aus. Obwohl Isaac „The Stargate“ größtenteils zu Hause geschrieben hat, wurde es, sobald er es in den Raum brachte, ziemlich ausgedehnt.

Du hast schon „The Message“ und „The Stargate“ erwähnt, wie kommt „Luminescent Bridge“ hier ins Spiel? Wie ist das zustande gekommen?
Es ist eine Maxi-Single, und die A-Seite, die Isaac eigentlich nach „The Stargate“ geschrieben hat, sollte vielleicht Track zwei auf dem Album werden, aber es sind wirklich ganz unterschiedliche Stimmungen in den Songs. Es war also fast sofort klar, dass dieser Song nicht unbedingt zum Material des neuen Albums passen würde. Nicht, dass es ein schlechter Song oder ein Wegwerf-Track wäre, aber „The Message“ und „The Stargate“ sind ziemlich verrückt. Sie mussten so sein. Der einzige Grund, warum es vielleicht trotzdem darauf sein sollte, war als Backup-Plan, falls wir „The Message“ nicht auf der B-Seite unterbringen konnten. Weil als „The Stargate“ zu 20 Minuten wurde, wussten wir, dass beide Songs 20 Minuten lang sein mussten. Im schlimmsten Fall hätten wir ein Drei-Song-Album haben können, bei dem „Obliquity Of The Ecliptic“ Track zwei ist und die B-Seite der Rest.

„Obliquity“ war anfangs eigentlich auch nur fünf Minuten lang, als Isaac es ursprünglich schrieb. Es sollte eine Sub-Pop-Single-Serie werden, eine 7-Inch. Wir dachten, das wäre wirklich cool gewesen, es hätte eine Menge Staub aufgewirbelt und eine Menge neuer Leute auf uns aufmerksam gemacht. Wir haben acht Monate lang mit ihren Anwälten und unserem Anwalt hin und her geredet, und letztendlich war es einfach zu restriktiv. Denen gehört alles, was sie jemals gepresst haben, und das ist nicht die Art und Weise, wie BLOOD INCANTATION arbeitet, nicht einmal im Entferntesten. Wir haben 100 % der Master, die Rechte und das Eigentum an den Bildern liegen komplett bei uns. Century Media und Dark Descent lizenzieren beide nur das Recht, unsere Musik in ihren jeweiligen Gebieten herzustellen und zu vertreiben, und zwar im Rahmen eines sogenannten „Term to base regional“-Vertrages, sodass niemand die Musik von BLOOD INCANTATION besitzt, außer uns vier.

Das ging so also nicht durch, und als uns das klar wurde, dachten wir: „Hey, wir müssen das bald aufnehmen, wofür nehmen wir das jetzt auf, was ist da los?“ Im März 2023 hieß es dann also: „Okay, das werden wir nicht machen, lass uns das mit Century Media machen und vielleicht können wir eine 2- oder 7-Inch oder so etwas machen. Weil wir zwei Touren gebucht hatten, hatten wir keine Zeit zu verlieren. Bei einem Major-Label wie Century Media gibt es so viele Leute auf der Gehaltsliste und in der Grafikabteilung, dass eine 7-Inch, wenn sie gepresst wird, am Ende ungefähr den gleichen Materialpreis hat wie eine 12-Inch. Man kann aber keinen 12-Inch-Preis dafür verlangen, also verliert man Geld. Das ist der Grund, warum die meisten dieser Labels keine 7-Inchs machen. Also fragten sie uns: „Wie wäre es mit einer 45RPM 12-Inch“ und wir sagten: „Ja, okay, also wie eine Maxi-Single aus den 80ern, das ist klassisch, das würden wir gerne machen, solange es den Maxi-Single-45RPM-Aufkleber hat, wie Iron Maiden oder Eloy“. Sie fanden das ein bisschen antiquiert, aber egal.

Allerdings sagten sie uns: „Man kann keinen fünfminütigen Song auf einer Maxi-Single haben. Der Sinn einer Maxi-Single ist es, mehr Songs pro Seite unterzubringen.“ Also mussten wir den fünfminütigen „Obliquity“-Song strecken. Der Titeltrack war eigentlich ein akustisches Zwischenspiel, ähnlich wie wir es auf „Starspawn“ mit „Meticulous Soul Devourment“ oder auf „Hidden History“ mit „Mirror Of The Soul“ gemacht haben. Er sollte zwei oder drei Minuten lang sein, nur akustische Instrumente, vielleicht Synthesizer. Wie macht man aus einem fünfminütigen Song und einem zweiminütigen Zwischenspiel zwei zehnminütige Tracks? Wir hatten etwa eine Woche Vorlaufzeit und griffen auf die Songs zurück, die wir bereits geübt hatten. Zu der Zeit, Anfang 2023, schrieben wir also „The Stargate“ und „The Message“, wir schrieben „Obliquity“ und wir probten ein völlig anderes Set für die Tour, die drei Wochen später begann. Es passierte also eine Menge, aber wir haben „Obliquity“ mit diesem Post-„Timewave“, dem kollaborativen Stretching, neu bewertet und ausgefeilt.

Ursprünglich, als Isaac es schrieb, sollte es nur eine 7-Inch-Single werden, kurz und auf den Punkt. Wir haben so viele lange Songs. Wir haben nichts gegen kurze Songs. Er wollte nur einen, der etwas kompakter und prägnanter ist. Letztendlich mussten wir „Obliquity“ trotzdem in diese lange, epische Art von Track umgestalten. Und dann wurde dieses Gitarrensolo von einem 30-Sekunden-Fade-out zu diesem zwei- oder dreiminütigen Ding. Morris dachte sich: „Was soll ich denn jetzt machen, verdammt? Ich will nicht einfach zwei Minuten lang blind und mit meiner Whammy Bar spielen!“ Eines der Dinge, mit denen Isaac bei „Obliquity“ experimentierte, war diese Art von gestrafftem Songwriting einer Single oder eines kompakteren Tracks, um ihn etwas weniger stumpfsinnig zu machen, etwas einprägsamer. Einfaches Riffing, eine einfache Sache – zugänglicher, aber immer noch brutal und schräg. Und genau diese Mentalität hat Morris auf sein Solo übertragen.

Iron Maiden, Carcass, „Heartwork„, At The Gates, „Slaughter Of The Soul“ nutzen eine letztlich einfache Melodie für ein wirkungsvolleres Ergebnis. Es muss nicht unbedingt eine komplizierte, technische Darbietung von etwas sein. Es kann einprägsamer und eindrucksvoller sein, wenn es simpel ist. So hat er fast ein Solo vom Typ „Powerslave“ von Iron Maiden oder ein Solo wie in „Time“ von Pink Floyd geschrieben, bei dem es einfach weitergeht und nie zu auffällig wird – bis zum Ende, wenn es so weit ist, dass alle ausflippen und sich in der Ambience auflösen. Er musste eine völlig neue Art von Solo schreiben. Und wie ich schon sagte, arbeiteten wir im Hintergrund an diesen anderen Songs.

Also gingen wir irgendwann ins Studio. Wir streckten „Obliquity“, so, wie es jetzt ist. Und dann begannen wir mit den Aufnahmen des Titeltracks, „Luminescent Bridge“. Wir brachten alle unsere Akustikgitarren mit. Jeff hat auch einen akustischen, bundlosen Bass. Wir brachten all dieses Zeug mit. Und während wir den Sound für „Obliquity“ mit normalen Instrumenten überprüften, spielten sie das gleiche Riff auf ihrer E-Gitarre und ihrem E-Bass, und Isaac hat auf dem Klavier rumgeklimpert oder so. Und wir dachten uns: „Wisst ihr was? Vielleicht sollten wir einfach das machen, lass uns das so aufnehmen.“ Wir verzichten da also komplett auf die akustische Instrumentierung. Bei diesem Song gibt es keine Akustik. So haben wir diesen Song dann aufgenommen: Isaac am Klavier, Jeff am E-Bass und Morris an der E-Gitarre auf. Ich spiele eigentlich nur Synthesizer auf dem Stück. Während wir das taten und diese Dinge hinzufügten, war es auch das erste Mal, dass wir mit einem Click-Track aufgenommen haben. Es ist auch das erste Mal, dass wir alles separat aufgenommen haben, denn „Timewave“, „Hidden History“ und „Starspawn“ wurden alle live als Gruppe auf Analogband in kompletten Takes aufgenommen.

Und dann, als wir da drin waren und irgendwie frei waren, dachten wir: „Was wäre, wenn wir ein Schlagzeug hinzufügen, da das je ein Click-Track ist, was wäre, wenn wir diesem Ambient-Song, der irgendwie cool ist, ein paar Funeral-Doom-Drums hinzufügen?“ Und dann hörten wir diese große Weltraum-Atmosphäre, und wir dachten: „Heilige Scheiße.“ Unser Kumpel Alex Pace, der für das „Luminescent Bridge“-Musikvideo Regie geführt hat, ist ein Tontechniker hier in Denver, mit dem wir befreundet sind, und er spielt Posaune. Und er saß da und hörte zu und fragte: „Soll ich meine Posaune holen?“ Und wir sagten: „Ja, geh und hol deine verdammte Posaune.“ Und so haben wir jetzt Schlagzeug, Elektro, Klavier und Posaune auf diesem „Akustik“-Ding. Und wir dachten: „Das wird jetzt richtig interessant.“ Wir brachten diese neue kreative Energie von diesen anderen Leuten ein, und das war wirklich belebend.

Also obwohl „Luminescent Bridge“ und „Absolute Elsewhere“ ganz unterschiedliche Vibes haben, ging der Entstehungsprozess der beiden Werke Hand in Hand?
Ja, zum Beispiel zurück zu Morris‘ Gitarrensolo. Er hat das, was er auf „Obliquity“ gemacht hat, in die bereits existierenden Soli von „Message“ und „Stargate“ übernommen und sie dann in diesem melodischeren, einprägsameren Gitarrenstil umgeschrieben, was dann unsere Einstellung dazu verbesserte. Wir dachten uns: „Okay, lasst uns das wirklich zu einem Ohrenschmaus machen, aber auch immer noch sehr brutal.“ Wir müssen es nicht mit all dieser Technik verwirren. „Hidden History“ zum Beispiel: Einige dieser Riffs sind die kompliziertesten und dichtesten, die wir kreieren konnten. Wir mögen es nicht, uns zu wiederholen, also hatten wir nicht unbedingt die Motivation, eine weitere verschnörkelte, technische Effekthascherei-Platte zu machen.

Damals haben wir das noch nicht getan, aber seit das Album herausgekommen ist und wir die Reaktionen der Leute darauf sehen, haben wir über die Ähnlichkeit mit „Slaughter Of The Soul“ oder „Heartwork“ oder sogar Judas Priest, „Painkiller“, nachgedacht. Diese Platten sind zugänglicher, geradliniger, aber immer noch entschlossen, ziemlich brutal und sicherlich keine Mainstream-Platten. Ich weiß, dass die Leute damals nicht bereit dafür waren. Sowohl Carcass als auch At The Gates haben sich danach auch aufgelöst, aber jetzt sind sie wieder da, und jeder sagt: „Bitte spielt ‚Slaughter Of The Soul‘. Bitte spielt ‚Heartwork‘.“ Aber das war damals nicht so.

Heute ist die Tatsache, dass die Leute es auf Anhieb mögen, ein Zeichen dafür, wie groß die Metal-Gemeinde 20 bis 30 Jahre später ist. Wir leben also in einer guten Zeit dafür, aber wir haben es nicht bewusst mit diesem Ansatz gemacht. Aber jetzt erkennen wir, dass das wahrscheinlich ähnlich ist wie das, was diese Jungs durchgemacht haben. Wir haben diese Art von melodischerem Gitarrenansatz also in die Hansa Studios übernommen.

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube immer entsperren

Teil 2 folgt bald auf Metal1.info!

Publiziert am 1. Dezember 2024 von Helen Lindenmann